Imagen: (CC: BY) zabara_tango [vía Flickr]

Yo no canto por cantar
ni por tener buena voz
canto porque la guitarra
tiene sentido y razon,
tiene corazon de tierra
y alas de palomita,
es como el agua bendita
santigua glorias y penas,
aqui se encajo mi canto
como dijera Violeta
guitarra trabajadora
con olor a primavera.

Que no es guitarra de ricos
ni cosa que se parezca
mi canto es de los andamios
para alcanzar las estrellas,
que el canto tiene sentido
cuando palpita en las venas
del que morira cantando
las verdades verdaderas,
no las lisonjas fugaces
ni las famas extranjeras
sino el canto de una alondra
hasta el fondo de la tierra.

Ahi donde llega todo
y donde todo comienza
canto que ha sido valiente
siempre sera cancion nueva.

Manifiesto – Victor Jara

Aquí les dejo un tango de Enrique Cadímo quien dijo que lo estrenó en Nueva York en el año 1936 el cantor Rudy Vallé pero la versión musical que mejor repercusión tuvo en la época fue con la música de Juan Carlos Cobian; hoy lo escuchamos en la voz de Andrés Calamaro.

Pasó la euforia. La gira mundial de Radiohead terminó. Para casi los 25.000 fanáticos que llegamos el viernes a la Pista Atlética del Estadio Nacional de Chile no era sólo el último de la gira con que Radiohead promocionó su último disco: era el concierto más especial, el primero anunciado y que se agotó en pocos días, el que esperamos por años.

Y efectivamente fue especial.

Con el sonido pasó algo que pocas veces se puede apreciar en un show en vivo. Bastará decir que podía distinguirse con una nitidez poco frecuente a pesar de las complejidades de cada composición y la cantidad de diversos instrumentos usados.

Por su parte el precioso escenario estuvo decorado de una ambiciosa escenografía integrada por un enorme fondo de LEDs que proyectaba imágenes del grupo, varias hileras de tubos lumínicos que colgaban desde techo hasta la altura de los músicos, todos artefactos que cambiaban de colores según el clima requerido por cada canción formando un ambiente único, desde lo más intimista hasta lisa y llanamente el desenfreno en temas como “Idioteque”. Un complemento perfecto para la música.

Pero no todo podía ser perfecto. La organización a mi entender quedó muy en deuda. Me parece vejatorio escuchar que mucha gente pagó su entrada y no lo disfrutó. Personas que pagaron cerca de $80.000.- por una entrada Fundadores Premium y terminan sentándose en un mecano; o lo pobremente ubicada que se encontraba la gente en cancha, que en muchos casos vio poco y nada. Queda clarísimo que la pista atlética NO era en ningún caso el lugar adecuado para este espectáculo, y ello no es sino responsabilidad directa de los organizadores. Como dice la gente de POTQ.CL, “realmente este recital hace tiempo que era un éxito, y eso da un relajo y una seguridad que gatilla la despreocupación por puntos tan importantes como una planificación profesional que permita coordinar todos los puntos y por sobre todo que asegure un respeto absoluto al consumidor.” Me sumo a la crítica: que desagrado más grande tener que disfrutar de Radiohead en tu país en un lugar tan lamentable.

Pero lo relevante es el concierto y en ese sentido puedo decir simplemente que el recital fue una maravilla.

Ya en el inicio fue distinto: lo que en el resto de la gira había sido un final generoso aquí fue un punto de partida, un pequeño presagio de que lo que estaba por venir. Subía Radiohead al escenario y comenzaba a sonar una melodía hermosa, triste y perdedora, una que todos llevamos por las calles: “Creep”, quizás su tema más masivo, aquél por el cual muchos fueron a ver a Thom Yorke y compañía, pero sólo una canción más para sus más acérrimos seguidores y la propia banda. Terminar la gira con aquél tema quizá no hubiera sido tan significativo. Y no lo hicieron. El cierre con el abanico de sensaciones que conlleva “Paranoid android” fue impagable.

“Street spirit”, “No surprises”, “Exit Music (For a Film)” incluso el guiño a R.E.M. con “The one I love” como introducción para “Everything in its right place” también fueron gratas y muy sensibles sorpresas. Se trató de un setlist distinto al de todas sus presentaciones y en cierta forma ajeno aunque estelarizado por la presencia de “In Ranibows”, en donde sacaron a relucir lo mejor de sus otros discos fundamentales “Ok Computer”, “Kid A”, “Amnesiac” y “Hail To The Thief”.

Lo de las canciones es para nunca terminar. He de reconocer que en mi fuero interno eché de menos uno que otro tema, pero reclamar por ello me parece un despropósito: para que a Radiohead no le falten canciones buenas que tocar tendrían que hacer un espectáculo por mucho mayor a las fugaces 2 horas y media que duró el concierto. Ello es indiscutible.

Como fan acérrimo puedo decir que lo de Radiohead fue algo por años esperado, soñado, tramado, imaginado: tuvieron que pasar más de 16 años para que se presentaran en Sudamérica, y la espera valió cada momento. Los que tuvieron la fortuna de ir seguramente tendrán en la retina haber participado en algo que quizás no se repita nunca más.

Ya se ha vuelto una tradición esperar el encuentro de Música Sacra que cada año organiza el Instituto de Música de La Pontificia Universidad Católica de Chile en conjunto con la I. Municipalidad de Providencia.

Es un agrado tremendo para nosotros invitarlos al ciclo de este año, un espectáculo gratuito y musicalmente sobrecogedor cuya calidad no sólo se mantiene, sino que mejora en cada edición.

Fechas: Todos los jueves desde el 19 marzo al 30 abril de 2009
Lugar: Campus Oriente UC (Av. Jaime Guzmán Errázuriz #3300), Templo Mayor
Horario: 19:30 horas (se aconseja llegar temprano debido a que la capacidad del templo es limitada).
Valor: Entrada liberada
Organizador: Instituto de Música UC

Programa Jueves 02 de Abril:

Joseph Haydn, Schöpfungsmesse (Misa de la Creación)
Coro de Cámara UC. Director: Mauricio Cortés
Coro de Estudiantes UC. Director: Víctor Alarcón
Orquesta de Cámara UC. Director Concertista: David Núñez
Director General: Jaime Donoso

Programa Jueves 09 de Abril:

Arvo Pärt (1935), Te-Deum, para solístas, piano y orquesta de cuerdas.
Alfred Schnittke (1934-1998) Agnus Dei (estreno en Chile) para solistas femeninas, coro femenino y orquesta de cuerdas.
Coro Femenino PUCV. Director: Boris Alvarado.
Coro de Estudiantes UC. Director: Víctor Alarcón.
Orquesta de la Universidad Mayor. Director: Luis José Recart.

Programa Jueves 16 de Abril:

Heitor Villalobos (1887-1959), Misa Sao Sebastian. Kyrie – Gloria – Credo – Sanctus – Agnus Dei
Ensamble seis vocal.
Frank Martin (1890-1974), Misa 1922. Kyrie – Gloria – Credo – Sanctus – Agnus Dei.
Camerata Vocal de la Universidad De Chile. Director: Juan Pablo Villarroel.

Programa Jueves 23 de Abril:

Franz Liszt (1811-1886), Missa Choralis 1885 para solístas, coro mixto y órgano.
Leos Janacek (1854-1928), Otcena’s (Padre Nuestro) para solista tenor, coro mixto, arpa y órgano.
Alvaro Zambrano, tenor solista.
Coro de Cámara UC. Director: Mauricio Cortés.

Programa Jueves 30 de Abril:

Johann Sebastian Bach (1685-1750), Pasión según San Mateo BWV para solistas, doble coro, coro de niños, orquesta de cuerdas, vientos y continuo.
Evangelista y arias tenor: Rodrigo del Pozo
Alto: Evelyn Ramírez
Bajo: Patricio Sabaté
Coro de Niños Crecer Cantando
Ensamble Vocal Concerto Vocale
Orquesta de Cámara UC e invitados. Director: Víctor Alarcón.

Mayor información y consultas: cextension@uc.cl

**Era uma noite sem lua e eu tava sozinho, fazendo do meu caminhar o meu próprio caminho;  Sentindo  o aroma das rosas e a dor dos espinhos; De repente, a pesar do escuro eu pude saber que havia alguem me espreitando sem que nem porque; Era hora de luta e de morte, é matar ou morrer.

 La historia de la Capoeira data del siglo XVI, cuando los portugueses eran los colonizadores de Brasil y llevaron muchos esclavos africanos, principalmente provenientes de Angola.
La Capoeira nace como una lucha disfrazada, era la hora en la que los esclavos se juntaban (le llamaban “quilombo” a la conglomeración de negros) y entrenaban ejercicios de lucha para poder resistir el poder de quienes lo sometían. Como dicha lucha tenia un entrenamiento, los esclavos no hallaron forma mejor de camuflarlo que simularlo como una danza, por eso es que en la práctica no se ven golpes, pero si esos movimientos son usados con el fin de atacar cumple la función de defenderse del enemigo.
El desarrollo de la Capoeira responde a la práctica de un grupo social que con la pretensión de elevar su moral frente al esclavizador busca la forma de torcerle de alguna forma el pie al destino, o de hacer justicia por sus propios medios, y en que en el caso de tener la posibilidad de enfrentarse con el sometedor , que no lo encuentre desprevenido.
Las letras de sus músicas son claramente denunciadoras de esta represión:

Era o suor, era o sangue     (Era el sudor, era la sangre
Derramado                               derramada
Era o trabalho do negro        era el trabajo del negro
Día e noite sem parar           día y noche sin parar )

Hay registros de la práctica de la de Capoeira en las ciudades de Salvador, Río de Janeiro y Recife, entre los siglos XVI Y XIX el ejercicio de la capoeira era prohibida por considerarse como subversiva; debido a esta represión la capoeira prácticamente desapareció en Río de Janeiro, y más tarde en Recife, manteniéndose en clandestinidad en Salvador.
La capoeira tiene tres estilos que la diferencian; el más antiguo es el ritmo musical lento, de golpes más bajos, cercanos al suelo; el estilo regional se caracteriza por la mezcla de la malicia de la capoeira de Angola y el juego rápido de movimientos al ritmo del berimbau, sus golpes son secos y rápidos; y el tercer movimiento que es el que en la actualidad se practica, hace una síntesis de los anteriores.
Hasta entrado el siglo XX la practica de la capoeira era considerada de subversiva por la policía brasilera que tenía órdenes de reprimir; quien hizo historia en la lucha del movimiento fue Manoel dos Reis Machado, más conocido como Mestre Bimba que fundó una escuela. En 1930 el ejercicio de la capoeira dejó de ser reprimida,  pasó a la legalidad gracias a que Bimba le mostró al presidente Getúlio Vargas la “danza-lucha”, y al presidente le gustó tanto que la transformó en deporte nacional.

**Era una noche sin luna y yo estaba solo, haciendo de mi caminar mi propio camino; sintiendo el aroma de las rosas y el dolor de las espinas; De repente, a pesar de lo oscuro yo pude saber que habia alguien al acecho de mi,  sin saber yo por qué; Era hora de la lucha y de la muerte, es hora de matar o morir.

Tengo el corazón hecho pedazos,
rota mi emoción en este dia;
noches y más noches sin descanso
y esta desazón del alma mia…
Cuántos… cuántos años han pasado,
grises mis cabellos y mi vida,
loco… casi muerto… destrozado
con mi espiritu amarrado
a nuestra juventud.

A mediados del siglo XIX en las orillas del Rio de La Plata surge un movimiento musical proveniente de la masa de inmigrantes primeramente africanos que cargaron en la música sus sentimientos más nostalgicos, y encontraron la forma de palearlos danzando muy cerca de un cuerpo de mujer.

En sus inicios el tango fue apropiado por quienes frecuentaban bares, burdeles y cabarets, eran en su mayoria afroamericanos, mulatos, criollos y gauchos rioplatenses, marineros e indios. Por lo que lejos de ser una música de elite, como erroneamente se piensa en la actualidad,  el tango, como muchos otros movimientos artísticos nace de los suburbios y de las nostalgias de los inmigrantes, que debian teñir de rojo pasión el dolor de un adiós mal parido de sus tierras lejanas.

Una de sus singularidades es sin duda la evolución que ha tenido;
El sincretismo cultural hizo que su evolución marchase en un sentido diferente del que comenzó; de tambores e instrumentos membranófonos y acompañado de palmas y un canto sincopado, con una danza sincrónica. La combinación posterior de africanos y europeos fue “ablandando” su estructura para convertirse en lo que hoy en dia se conoce.

Todo lo que concierne a su lenguaje y a sus movimientos responde justamente a esta conglomeración cultural. Se reconoce el “Lunfardo” como el dialecto construido por las diferentes culturas: afroamericanas, criollas y europeas.
Increiblemente, pasó de ser un movimiento de suburbio a una danza prestigiosa y elegante. Éso claro, despúes que en 1910 fue bailado por primera vez en Paris por americanos que viajaron a Europa y mostraron a los europeos la sensualidad y nostalgia que en cuna americana dió a luz a un baile singular. Después de su popularización en Europa, la élite argentina y uruguaya lo adoptó como un baile prestigioso;  su sensualidad fue en principio repudiada por los población más conservadora y católica.

La incorporación del Bandoneón (de origen alemán) fue y es, de un tiempo a esta parte,  uno de los instrumentos que más se reconoce cuando debe acompañarse la tristeza de un verso…

Bandoneón,
hoy es noche de fandango
y puedo confesarte la verdad
copa a copa, pena a pena, tango a tango,
embalado en la locura
del alcohol y la amargura.
Bandoneón,
¿Para qué nombrarla tanto?
¿No ves que está de olvido el corazón
y ella vuelve noche a noche como un canto
en las notas de tu llanto,
che, bandoneón…?

En la actualidad el tango es considerado el baile oficial de Argentina, sin embargo, es necesario hacer la distinción de que el tango responde por sobre todas las cosas al movimiento cultural que se gestó en la rivera del Rio de La Plata, lo cual excluye a todo el resto del territorio transandino. Es un mito de la cultura hegemónica que en cada esquina al lado de un farol hay un chabón (hombre) intentando matar la pena en la sensualidad de un cuerpo de mujer. (El resto de Argentina tiene danzas de otras características).
La fusión del tango con sonidos electrónicos, ha hecho que esta singular música continúe con su proceso de adquisición de diferentes ritmos, lo cual no hace más que enriquecerlo, además de responder a la época actual.